Fotografía, proyectos y cultura visual

Fotografía, proyectos y cultura visual

Ryan McGinley. La vejez de la inocencia. La infancia de la responsabilidad



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Las imágenes de Ryan McGinley (New Jersey, EE.UU, 1978) son un documento veraz, de una nueva generación de autores que se abren paso entre los escarpados muros del arte contemporáneos. Siguiendo la estela de autores como Wolfgang Tillmans, Nan Goldin o Larry Clark, sus imágenes son diarios de la propia vida del fotógrafo, normalmente escenas donde los protagonistas son amigos y conocidos, formando grupos o individualizados en retratos.

Marcando una delgada línea entre lo íntimo y lo público, entre la naturalidad y lo escénico, la inocencia y la sexualidad, sus fotografías derrochan libertad con un marcado carácter espontáneo, donde una nueva generación disfruta con perversidad adulta, la vejez de la inocencia y la infancia de la responsabilidad.

Ryan McGinley estudió fotografía en la Parsons School of Design de Nueva York y pronto se convirtió en una de las jóvenes promesas norteamericanas en el campo de la fotografía actual, sobre todo, a partir de la edición que él mismo realizo de un libro de sus fotografías en el año 2000 titulado 'The Kids are Alright'

La espontaneidad de sus fotografías aparece en todos y cada uno de los temas a los que recurre, entre ellos la música, el sexo o las diferentes subculturas urbanas y convierte la cámara en una "extensión de él mismo" con la que refleja fiestas, salidas nocturnas o retratos "pero siempre mostrando un gran pictoricismo en sus imágenes en las que, a su vez, utiliza, mediante la luz, distintas gamas de color".

Híbridos. Daniel Lee



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híbrido, da.

(Del lat. hybrĭda).

1. adj. Dicho de un animal o de un vegetal: Procreado por dos individuos de distinta especie. U. t. c. s.

2. adj. Biol. Dicho de un individuo: Cuyos padres son genéticamente distintos con respecto a un mismo carácter.

3. adj. Se dice de todo lo que es producto de elementos de distinta naturaleza


Os presento a Daniel Lee, un autor que trabaja este concepto de lo híbrido de una forma muy acertada.






Andy Goldsworthy. La obra es el lugar.



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La naturaleza proporciona los materiales que constituyen las obras de Goldsworthy. Hojas, maderas, rocas, hielo, es la materia prima de las esculturas de este artista británico, que interviene en el paisaje con estructuras que posteriormente son abandonadas a su suerte.
Sus esculturas que a veces son reconstruidas en salas de arte y museos, poseen ese carácter efímero, expectante, limitado, que la naturaleza les invierte. Reflexiones de tremenda belleza. Formas primordiales. Intervenciones. Visiones de un mundo que desaparece lentamente, que vive en el éter del lugar de su génesis y que la fotografía levanta el acta notarial de su existencia, para que éste trobador de mundos idílicos sea admirado y creído por el resto de mentes pasivas, destructoras y ecológicamente inconscientes.

Andrés Serrano: controversia y escándalo



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El arte en muchas situaciones se mueve en terrenos pantanosos, controvertidos o escandalosos. Nos plantea pregunta difíciles de responder y en algunas ocasiones ciertamente incómodas, no obstante, el hombre contemporáneo se encuentra en un cruce situacional, de mezcla social, identitaria, sexual, religiosa… que produce un temor hacia un “otro” desconocido e interpretativo, reflejado en el espejo del “yo” complejo del que disfrutamos a diario al observarnos.
Andrés Serrano es un artista que disfruta encontrándose en esa frontera que limita con la ética en la sociedad contemporánea. Su obra está basada en temas característicos de la condición humana: el origen de la vida, el sexo, la muerte, la religión. Sus fotografías nunca dejan indiferentes, nos obliga a enfrentarnos a temáticas que son tabú, en nuestra sociedad. No plasma la realidad, simplemente la interpreta a su manera y se acomoda en la fotografía construyendo composiciones, igual que si se tratara de cuadros.
Serrano se aloja en el escándalo para denunciar el ostracismo de las sociedades capitalistas, descubriéndonos los monstruos que se encierran en la lógica cotidiana, donde la indiferencia los oculta del devenir matutino.

Encuentro Fotográfico con Luis Pérez-Mínguez



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"Encuentro Fotográfico con Luis Pérez-Mínguez"
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El Club Fotográfico de la ULPGC tiene el honor celebrar un encuentro con el fotógrafo español, Luis Pérez Mínguez considerado como referente de la fotografía española en los años 70 y 80. El encuentro tendrá lugar el jueves 3 de abril a las 20:00h en la Facultad de Humanidades de la ULPGC.
En éste encuentro íntimo con el fotógrafo y su obra, Mínguez nos hablará de su trabajo, su proceso creativo y como la vida y el arte se cruzan para fundirse en un único acto.
A principio de los años 80, el fotógrafo recibe el reconocimiento unánime, convirtiéndose en uno de los artistas claves de la movida madrileña. En 1984 expone en las salas Pablo Ruiz Picasso de la Biblioteca Nacional la retrospectiva "20 años aprendiendo a mirar" 1965-1984. Desde España, realizaría un salto al panorama internacional con exposiciones en: París, Copenhague, Bruselas, Helsinki, Oslo, Varsovia y, ya en la década de los noventa, Siria y Estados Unidos. De forma paralela, le llega el reconocimiento institucional con la incorporación de su obra a la colección fotográfica del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y la exposición: "Cuatro direcciones. Fotografía contemporánea española, 1970-1990".
Pérez Mínguez se encuentra en Gran Canaria presentando la muestra que permanecerá abierta hasta el próximo 25 de abril en las salas del Gran Canaria Espacio Digital, una selección de fotografías realizadas para la muestra "Alzheimer Provisional", producida inicialmente por la fundación ONCE, con cinco dípticos, a la que ahora se suman otros trece producidos por el Gran Canaria Espacio Digital, para configurar el material que integra esta individual con el título definitivo de "No me olvides", en la que el artista convierte su técnica en un delicado homenaje a esas mujeres que un día vivieron un todo y hoy están viviendo el olvido.

[de]construir. Hiroshi Sugimoto



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Hiroshi Sugimoto nació en Tokio en 1948, tras su paso por la universidad se trasladó a California a estudiar fotografía. Cuatro años después de su llegada, en 1974, la influencia de las corrientes minimalista y conceptual le llevaron a Nueva York e introducir la fotografía dentro de los movimientos conceptuales. En esos momentos la fotografía era un arte de "segunda clase" y la intención de Sugimoto fue hacer algo nuevo.
Sugimoto, deconstruye para construir nuevamente una realidad a través del concepto ampliamente sobado del tiempo, con una magistral actitud. El ejercicio se basa en derruir la realidad ampliamente establecida como verdadera y única posible, para luego reedificar un nuevo mundo basado en nuestras sensaciones, intuiciones y descubrimientos.
Con gran precisión técnica, Sugimoto abarca en cada fotograma un tiempo infinito, obligándonos a interpretar una nueva realidad que viene explícitamente contenida. Son, pues, reflexiones que buscan capturar lo intangible, como la diferencia supuestamente existente en los horizontes marinos captados en distintos lugares del mundo. Algo inmutable pero sometido a cambios. Éste juego [de]constructivo lo desarrolla en series que se extiende en periodos temporales abiertos sin finales fijados, que viene realizando desde los años setenta.

Ola Kolehmainen



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El fotógrafo finlandés Ola Kolehmainen selecciona la arquitectura moderna como espacio de reflexión de su obra, retratando detalles de fachadas y aproximaciones a edificios iconográficos del siglo XX. Puede parecer que su obra es una nueva presentación de la arquitectura, nada mas lejos de la realidad, la fuerza expresiva y el valor compositivo lo convierten en un fotógrafo que utiliza la arquitectura como materia prima de su obra puramente abstracta.
Observar sus piezas de gran formato, es como introducirse en un microscopio a diseccionar las impresionantes estructuras moleculares de la arquitectura contemporánea, convirtiendo el hormigón y el cemento en materia del arte.



"Yo no hablo de arquitectura, la utilizo como materia cruda. La imagen final no depende de la arquitectura del edificio; es un extracto que se convierte en abstracto"
Ola Kolehmainen

Su representante en España es la Galeria Senda, donde podemos encontrar más información sobre él.
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