HARRI PALVIRANTA. LA VIOLENCIA COTIDIANA

Definir la violencia como energía nos brinda la oportunidad de objetivarla, medirla, calcularla. Desde esta definición el empleo de una bomba atómica, de un tanque, de una pistola o de agredir a mano limpia nos pone en distintos niveles de violencia.
La violencia es un tipo de energía que se manifiesta de manera cotidiana, los niños juegan con pistolas de juguete imitando comportamientos aprendidos de los medios de comunicación, la virtualidad contemporánea ha generado un déficit del valor de la vida, nos hemos acostumbrado a la existencia de comportamientos violentos a nuestro alrededor, a los sometimientos de los distintos grupos sociales, sin realizar ningún tipo de denuncia.
Harri Palviranta autor finlandés ha establecido una corriente de trabajo donde la violencia cotidiana es su tesis principal. Con una visión de documentalista contemporáneo, Palviranta relata situaciones cotidianas donde la violencia se encuentra inscrita directa o ambientalmente. Comprometido con el arte como herramienta para ejercer responsabilidad civil, en su controvertida obra nos desvela la “belleza” de un mal que lejos de erradicarse se intenta maquillar tras la ocultación o la ignorancia. En palabras del autor, una imagen cuenta una historia con una gramática diferente, y como tal influye sobre el debate aportando un conocimiento basado en los sentidos, y quizás también algunas emociones.

MIRANDO LA VIOLENCIA.

Recientemente un trágico suceso aconteció en la ciudad en la que resido. Un joven de 19 años murió tras recibir una agresión a la salida de una discoteca. La noticia sorprendió a una población adormilada frente al problema de la violencia y está generando un movimiento social antiviolencia, coordinados por los propios compañeros y familiares de la víctima.
La definición del concepto nos dice que la violencia es un comportamiento deliberado, que provoca, o puede provocar, daños físicos o psíquicos a otros seres, y se asocia, aunque no necesariamente, con la agresión, ya que también puede ser psíquica o emocional, a través de amenazas u ofensas. Algunas formas de violencia son sancionadas por la ley o por la sociedad, otras son crímenes. Distintas sociedades aplican diversos estándares en cuanto a las formas de violencia que son o no son aceptadas.
Se considera violenta a la persona irracional, la que es negada al dialogo y se obstina a actuar pese a quien pese, y caiga quien caiga.
El problema de la violencia en la sociedad contemporánea se presenta en múltiples recetas, desde las mas radicales y políticas encuadradas en invasiones, guerras o actos terroristas, a la mas especializada y domestica, abusos psíquicos o emocionales.
El Arte Contemporáneo también nos presenta la violencia como una frontera creativa, un terreno pantanoso que pretende cuestionar a una sociedad soñolienta frente a la cotidianeidad del comportamiento violento.
A lo largo de los próximos artículos analizaremos distintos autores contemporáneos que han utilizado la fotografía y el concepto de violencia, desde múltiples y variadas perspectivas, en sus trabajos.

ANNUSKA DAL MASO. El deseo de continuar sólo

Desde los dieciocho años vivo solo. Aunque mis padres están cerca, la barrera física de pertenecer a otra isla, hace que la lejanía se acentúe. Tan sólo he de tomar un avión que tardará unos treinta y cinco minutos en llegar, y poco tiempo después me encontraré en casa de mis padres.

LOAN NGUYEN. TERRITORIOS DE INTROSPECCIÓN

En determinados momentos nuestras observaciones se tornan interiores, introspectivas, para decretar estados de ánimo o momentos de la consciencia. En algunos de esos momentos podemos llegar a pensar que nuestra soledad como individuo es manifiesta. Buscamos nuestra proyección, nuestra sombra, nuestro reflejo, para poder encontrar una compañía certera, fiel, veraz.
Es en esa búsqueda de lugares íntimos donde se mueve la fotógrafa sueca Loan Nguyen. Lugares ambiguos, de una gran carga geométrica, donde el individuo queda reducido a una porción mínima de la superficie de la imagen. El espacio se torna misterioso, se revela una confusión entre la acción de la imagen y la reacción del espectador. Fotografías de una luz limpia y contrastes suaves, donde la mirada queda atrapada, cautiva, raptada. Es en ese secuestro del ver, el lugar en el que el espacio se modifica hasta convertirse en un territorio de introspección, donde la mirada y la consciencia busca una proyección, un reflejo, con el que poder encontrar la compañía de la soledad manifiesta de los protagonistas de estas fotografías.

ROBERT & SHANA PARKEHARRISON. CÓMPLICES DE MORFEO.

En la mitología griega, Morfeo es el dios de los sueños. Según ciertas teologías antiguas, es el principal de los Oniros, los mil hijos engendrados por Hipnos (el Sueño) y Nix (la Noche, su madre). Era hermanastro de Tánatos (la Muerte). Morfeo se encargaba de inducir los sueños de quienes dormían y de adoptar una apariencia humana para aparecer en ellos, especialmente la de los seres queridos, permitiendo a los mortales huir por un momento de las maquinaciones de dioses.
Fue fulminado por Zeus al haber revelado secretos a los mortales a través de sus sueños. Robert & Shana Pakerharrison podrían correr la mima suerte.
Esta pareja de fotógrafos americanos se introducen en un mundo onírico, testimoniando la intromisión de la realidad contemporánea con la poética de los surrealistas. Sus imágenes, que poseen un complejo trabajo de pre y post producción, reflejan nuestra existencia desde una perspectiva mitológica, donde la naturaleza es domesticada y controlada. Las escenas retratadas, son tentativas frustradas de salvar y rejuvenecer a la naturaleza, por medio de anticuados y destartalados instrumentos, que intentan atrapar las nubes o comunicarse con la Tierra para aprender sus necesidades. La pareja Parkerharrison, cómplices de Morfeo, nos muestran la desolación y devastación de los sueños por nuestros miedos. Un problema inherente al ser humano en los tiempos contemporáneos.

Bleda y Rosa. Premio Nacional de fotografía 08

Hay pocas visiones que contengan mayor carga de desolación que la imagen vacía, rodeada de silencio, de los lugares previstos y concebidos para recibir acontecimiento de espectáculos, juegos, reuniones o cualquier acción colectiva de carácter social. La ausencia de vida equivale a la presencia más radical de la muerte.
Santiago B. Olmo.
Campos de fútbol. La mirada después de la desolación

No me gusta escribir los post dictados por la actualidad; simplemente porque no me quiero convertir en esclavo del blog. Este es un espacio de divertimento personal, para colocar los autores que significan sinceramente algo importante para mi y que me influencian.
Pero la actualidad de hoy me ha concedido una sorpresa agradable. Los fotógrafos María Bleda y José María Rosa, "Bleda y Rosa", han ganado hoy el Premio Nacional de Fotografía, que concede anualmente el Ministerio de Cultura. El jurado considera que Bleda y Rosa "representan la renovación de uno de los fundamentos del medio fotográfico, la fotografía documental, a través de una profunda reflexión sobre la relación entre memoria, espacio e imagen".
La obra de este equipo creativo, se perfila como una de las mas personales e interesantes del panorama español. La idea del lugar como espacio de la memoria esta siempre presente en sus obras, articuladas habitualmente en series de imágenes de estética limpia, con ausencia absoluta del hombre, donde desarrollan un estudio del hombre y sus orígenes culturales, así como su paso y presencia por el paisaje.

Ellen Kooi. Historias sin final

“De pequeña me asombraba la fotografía con su extraño silencio. Encontré una de mi abuelo y me imaginaba todo tipo de historias alrededor de su rostro. Era mi héroe. Más tarde me enteré de cosas que me derrumbaron el mito. Igual fue éste el origen de lo que hice más tarde cuando comencé a trabajar con la realidad aparente de una foto para contar mis propias historias”.

El intercambio de sintaxis que nos ofrece esta autora holandesa en su fotografía, nos acerca al sentimiento que sintió de niña al encontrar la foto de su abuelo. Con situaciones de personajes ambiguas, encerrados en una naturaleza idílica aunque a veces perturbadora Kooi, hace que la experiencia de un espectador con ganas de sorprenderse, se vea recompensada con las historias meticulosamente preparadas que le ofrece.
“La mayor parte de mi trabajo está relacionada con mi entorno. La gente que llegó a Holanda no vino y se asentó sin más; tuvimos que construir el espacio alrededor nuestro, porque el agua nos rodea. Hemos adoptado el paisaje a nuestras necesidades. Con mis fotos intento recrear mis impresiones de algunos paisajes. Son metáforas para esas sensaciones”.
Ellen Kooi aporta a sus imágenes una dimensión de peligro, de fragilidad, de posibilidad de ruptura. Son historias sin final, contadas para que el espectador pueda finalizarlas.

La especie suicida. Preocupación de la fotografía ante los peligros medioambientales.

La preocupación por los peligros medioambiente que acechan a la humanidad no es un tema reciente; la conciencia ecológica, el cambio climático, la sostenivilidad, son conceptos que nos resultan cada día más familiares y habituales en nuestros intercambios dialécticos.

Estamos haciendo frente a desafíos de una magnitud que nunca habíamos afrontado: consumir recursos naturales de forma sostenible, detener la degradación medioambiental, ralentizar el cambio climático. La situación medioambiental ha cambiado para siempre nuestra relación con la naturaleza. Nuestro poder como especie ha quedado marcado en nuestra capacidad tecnológica. El antiguo pensamiento de que la humanidad es perecedera, se refuerza con la posibilidad de la acción humana frente al poder. Hemos alcanzado la capacidad de suicidarnos como especie.
Tenemos el talento de contar con la inteligencia suficiente para alterar nuestro destino, pero, al mismo tiempo, carecemos de sabiduría para mantener bajo control nuestras más abyectas tendencias.

Comenzamos aquí una pequeña serie de artículos dedicados a autores preocupados por la temática medioambiental desde múltiples perspectivas.

A mirarme un poco el ombligo. Entrevista en la revista bohemia

Gracias al amigo Octavio, he aparecido en la agenda cultural Bohemia de la ciudad de Las Palmas. Transcribo a continuación la entrevista. Un saludo y gracias por esta oportunidad.


1.- La fotografía digital ha hecho que mucha gente acceda a este mundo. ¿Eso es bueno o malo para la fotografía artística?
Indudablemente buenísimo. Gracias a las nuevas tecnologías se ha producido un proceso de democratización en muchos sectores, la fotografía es un claro ejemplo. Las cotizaciones que se están produciendo por obras fotográficas a nivel internacional confirman que ese proceso ha beneficiado mucho al sector artístico. En el ámbito local, cada día surgen mas personas que nos sorprenden con su manera de mirar el mundo.

2.- Igualmente, la técnica ha cambiado. ¿Cuál es el proceso que utilizas después de haber sacado la foto, o crees que el previo (encuadre, objeto, luz, etc..) es lo realmente importante?
Aunque comencé trabajando con la fotografía analógica, en la actualidad realizo mis imágenes con técnica digital. Creo que lo realmente importante es la idea, tener claro lo que quieres expresar, luego te tienes que acercar a la técnica para poder desarrollar esa idea. La fotografía es un lenguaje, y como tal tiene unas normas sintácticas que debes seguir. En mi proceso de trabajo intento obtener un negativo decente, respetando el encuadre, la luz, etc., para posteriormente interpretarlo.

3.- ¿Qué foto buscas, o cuando has hecho estas fotos, qué buscas o qué intentas mostrar con ellas?
El proceso va variando con el conocimiento, intento ser coherente con mis principios pero estos se modifican con el transcurrir vital. Mis estudios realizados como diseñador industrial generan una gran influencia en mi trabajo y mi proceso creativo. Los lugares y no lugares, la decadencia urbana, el paso del tiempo, la muerte, el conocimiento o la memoria son temas a los que me acerco con frecuencia, aunque de manera indeterminada. Normalmente las imágenes son capturadas en un proceso de exploración, posteriormente descansan perdidas entre gigas de información para ser recuperadas en un discurso interpretativo.

4.- La muestra de tu trabajo al público, ¿qué sentido tiene?
Intentas comunicar “algo” al espectador. Pero una vez que la “entregas”, la obra es de quien la observa. Hay que aceptar que al ver tu obra expuesta sientes una gran satisfacción que te anima mucho a continuar.

5.- ¿Cuál es el futuro de la fotografía?
Optimista. Nos encontramos en uno de los mejores momentos del desarrollo de la fotografía. Después de pasar el momento de la confusión producido en los últimos años por el cambio tecnológico, cada uno podemos elegir el camino técnico que más nos interesa. En la actualidad cualquier usuario interesado en la fotografía puede hacer una imagen decente, por ello es muy difícil conseguir ese “algo”, que hace de la imagen se convierta en una obra de arte.

6.- Eres miembro del Club fotográfico de la ULPGC, ¿Qué papel tienen estos grupos en la difusión y fomento de la fotografía en canarias?
Tradicionalmente la existencia de las agrupaciones fotográficas han beneficiado al aficionado dándoles la oportunidad de obtener reconocimiento. El club fotográfico de la ULPGC pretende ser un punto de encuentro abierto a todo el mundo (universitario y foráneo), para mostrar nuestras creaciones, hablar de fotografía, fomentar el conocimiento y la cultura fotográfica, y pasar buenos ratos con personas que les inquietan experiencias afines.

7.- Tienes página en flickr (http://www.flickr.com/people/josej-torres) y participas en multitud de grupos en esta plataforma ¿En que contribuye las nuevas tecnologías y el uso de internet en la fotografía canaria?
Como ya comenté, la técnica e Internet han democratizado la imagen. Cualquier plataforma de este estilo ayuda a difundir tu trabajo. Utilizo flickr porque es una de las más conocidas. Con respecto a la fotografía canaria se pueden encontrar multitud de grupos específicos en este tipo de plataforma , eso contribuye a que los fotógrafos se conozcan y surjan muchas colaboraciones.

Nicolás Combarro. Cincelando con la mirada.

La fotografía no puede ser imparcial, el simple hecho de la elección de un encuadre implica un compromiso con la imagen. Cuando escribo los artículos para los post, intento mostrar cosas que me interesan con un ligero velo de imparcialidad. En el caso de Nicolás Combarro eso no es posible.
Este coruñés de 29 años, que utiliza la fotografía como manera de expresión pero no de manera exclusiva, ya que también realiza escultura, ha realizado las imágenes que más me han atraído en mucho tiempo. Tal vez sea porque lugar-no lugar, espacio, intervención, naturaleza pornografiada, destrucción, abandono, abstracción, sean algunos de mis temas favoritos, o porque me he acercado a estos temas sin tanto éxito como Combarro, lo cierto es que su serie "Línea de sombra", conforma una de las obras más interesantes que he descubierto en mucho tiempo.
Empezó buscando la abstracción en la realidad y se la encontró en los pilotes de una autopista en construcción. La observación de aquellos le impulsó a intervenir y entonces armado con un bote de pintura negra, dibujo franjas en el hormigón, de repente todo cobraba sentido y el círculo se cerraba. Formas por descubrir.

GEIR MOSEID, MISTERIOSAMENTE COTIDIANO

A traves del blog "quiero ser...galerista de arte" he encontrado el trabajo de un joven británico Geir Moseid, cuyas fotografías exploran un terreno de sentimientos ambigüos y misteriosos.
Con imágenes que documentan a través de una limpieza formal y estética, la vida desarrollada en el interior de esos espacios minsteriosos que llamamos hogar, Moseid nos traslada a un terreno resbaladizo de sentimientos enfretados. El hogar se convierte en una cárcel lumínica, donde bajo la apariencia idílica, habitual y tranquila, el autor propone imágenes que trasladen al espectador a una contradictoria y siniestra reflexión, que generé dudas sobre lo aparente.

"PAREJAS" MIRADAS POR UN COLECCIONISTA

El Centro Cultural de La Caja de Canarias (CICCA) propone hasta el 25 de octubre la exposición «Parejas», una selección de la colección de fotografía de Antonio P. Martín, que se podrá contemplar en la sala de la capital grancanaria. Retratos de personas o animales, vivos o no vivos, en pareja son el motivo inspirador.
La exposición que se exhibe, es sólo una selección de fotografías que componen una extensa serie, que se encuentran englobadas en una colección en constante crecimiento iniciada en el año 2002.
En esta muestra no solo se puede disfrutar de fotografías de artistas de la talla de Marina Abramovic o Axel Hütte, hay una gran representación de artistas canarios, nacionales e internacionales llegando a convivir en las dos plantas del CICCA más de medio centenar de artistas.
Personalmente he de aceptar que he disfrutado muchísimo con la muestra, altamente recomendable para pasear observando y deleitándonos con las múltiples interpretaciones que el concepto de pareja puede brindarnos. La confección de una colección de esta magnitud pegada a la contemporaneidad absoluta, no obstante los autores que podemos observar en su mayoría continúan planteando discursos interpretativos de la actualidad, demuestra el interés que la fotografía más actual levanta entre coleccionistas de todo el mundo. Con la necesidad que la obra tiene de ser mostrada, Antonio P. Martín ha cerrado el triángulo entre coleccionista-obra-espectador, brindando la posibilidad a los visitantes de disfrutar su pasión por el ARTE.

NADAV KANDER. EXPLORADOR VISUAL

El trabajo de este FOTÓGRAFO de origen israelí afincado en la actualidad en Londres, solo se puede calificar de extraordinario. Explora el mundo con una mirada limpia, poco recargada, sin artificios, dejando respirar la imagen para que el espectador se pierda en sus inmensas líneas de horizontes en clave alta. Aunque sus paisajes también son interiores, desde el exterior con una tendencia hopperiana. En su web Kander, nos propone una recopilación de sus trabajos que van desde sus series más actuales, desarrollada en el frenético desarrollo urbano de china, hasta sus trabajos publicitarios para revistas y marcas de gran prestigio.
Como única recomendación, poned música agradable y perderos un rato por su web.

NUEVA CARA

Después de muchos problemas con la antigua plantilla (basicamente no se nada de html y me la cargue), aquí os presento la nueva cara del blog.
En estos momento hay muchos proyectos en marcha de los que informaré puntualmente. Bienvenidos a todos y espero que les guste esta nueva etapa.
PD: Las entradas antiguas se editaran de nuevo para intentar que todo cuadre otra vez.

Ryan McGinley. La vejez de la inocencia. La infancia de la responsabilidad

Las imágenes de Ryan McGinley (New Jersey, EE.UU, 1978) son un documento veraz, de una nueva generación de autores que se abren paso entre los escarpados muros del arte contemporáneos. Siguiendo la estela de autores como Wolfgang Tillmans, Nan Goldin o Larry Clark, sus imágenes son diarios de la propia vida del fotógrafo, normalmente escenas donde los protagonistas son amigos y conocidos, formando grupos o individualizados en retratos.

Marcando una delgada línea entre lo íntimo y lo público, entre la naturalidad y lo escénico, la inocencia y la sexualidad, sus fotografías derrochan libertad con un marcado carácter espontáneo, donde una nueva generación disfruta con perversidad adulta, la vejez de la inocencia y la infancia de la responsabilidad.

Ryan McGinley estudió fotografía en la Parsons School of Design de Nueva York y pronto se convirtió en una de las jóvenes promesas norteamericanas en el campo de la fotografía actual, sobre todo, a partir de la edición que él mismo realizo de un libro de sus fotografías en el año 2000 titulado 'The Kids are Alright'

La espontaneidad de sus fotografías aparece en todos y cada uno de los temas a los que recurre, entre ellos la música, el sexo o las diferentes subculturas urbanas y convierte la cámara en una "extensión de él mismo" con la que refleja fiestas, salidas nocturnas o retratos "pero siempre mostrando un gran pictoricismo en sus imágenes en las que, a su vez, utiliza, mediante la luz, distintas gamas de color".